Mercoledì 25 novembre alle ore 20.45, un film nella giornata contro la Violenza di Genere al cineclub del MUNAR (offerta libera): «Luce» (2024) con la regia di Silvia Luzi e Luca Bellino.
Il film, già presentato in concorso a Locarno Film Festival e alla Festa del Cinema di Roma, racconta il rapporto di una ragazza con la violenza del potere patriarcale. “Quel potere che quando è in famiglia ti schiaccia e quando è lavoro ti aliena”.
Dicono del Film Luce di S. Luzi e L. Bellino
Miriam Raccosta del Cinematografo definisce il progetto come «la simulazione al servizio del reale» in cui si crea «un cortocircuito che favorisce la sovrapposizione di plurimi livelli di valutazione nei quali la realtà si ibrida con l’apparenza».
Il quotidiano Il manifesto definisce il film come tra «i più lucidi, impassibili del panorama contemporaneo italiano» nello descrivere la realtà della vita in Italia, in cui la capacità della regia manifesta «una malattia fondata sul vuoto, sulla solitudine, su una mancanza che al limite diviene assoluta».
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(da Quinlan.it)
Luce segna il ritorno alla regia a quattro mani per Luca Bellino e Silvia Luzi a sette anni di distanza da Il cratere: se resta lo studio di un carattere femminile e della sua auto-affermazione, si allarga il discorso alla dialettica tra reale e realtà, con il fuoricampo che diventa un vero e proprio personaggio a sé stante.
Per qualche miliardo di esseri umani «Dio disse: “Sia la luce!”. E la luce fu», quindi «Dio vide che la luce era cosa buona e Dio separò la luce dalle tenebre»; infine «Dio chiamò la luce giorno, mentre chiamò le tenebre notte».
Non c’è molto di biblico nell’opera seconda di Luca Bellino e Silvia Luzi. Dopo essere stata presentata in concorso al Festival di Locarno, trovò ospitalità per la sua prima proiezione italiana anche ad Alice nella Città, sezione capitolina che con i due cineasti ha un lungo rapporto.
La luce, anche tenendosi a distanza dal libro sacro di ebrei e cristiani, è l’essenza stessa del Cinema, ciò che permette l’immagine in movimento, quel falso movimento che imita la vita e riesce al contempo a dimostrarsi più vita della vita stessa.
Di luce Bellino e Luzi ne utilizzano davvero poca, prediligendo la penombra, l’artificialità dell’inospitale stanzone dove la protagonista svolge la sua attività di operaia insieme alle compagne e ai compagni di lavoro; o magari l’appartamento della stessa ragazza, quando deve cucinarsi un pasto serale giocherellando con la sua micetta Molly.
Di luce ce n’è davvero poca, anche perché pur spostandosi di nuovo in territori campani – come già nell’esordio Il cratere, che li segnalò come registi “di finzione” (categoria su cui ci sarà seriamente da riflettere) dopo un lungo apprendistato documentario: qui, pur senza mai dichiararlo, ci si ritrova a Solofra, nella Valle dell’Irno – i due cineasti sfruttano l’umbratile cielo invernale, anche quando ci si ritrova a festeggiare una prima comunione in riva al mare.
Uno spazio grigio, inospitale, non irradiato del sole, e dunque inevitabilmente mancante, a sottolineare il trauma che attraversa la vita quotidiana della giovane, che non ha più alcun rapporto con il padre da quando quest’ultimo, un ventennio prima, è stato tradotto in carcere. Una ragazza e il genitore, due corpi che vivono a pochi chilometri di distanza nello spazio ma che non hanno alcuna comunicazione nel tempo, e che quindi possono rincontrarsi solo nella apparente neutralità di un rapporto incorporeo, privo dunque degli odori e degli umori degli esseri umani.
Un incontro a suo modo sovrannaturale, anche perché costruito con un’iniziativa illecita: sfruttando il drone utilizzato per riprendere dall’alto la corsa sulla battigia della sua cuginetta, la ragazza si fa aiutare dal regista del filmino per trasportare un telefono cellulare al di là del filo spinato del carcere, con un messaggio per il padre. Padre che si ritrova dunque a telefonare alla figlia, inaugurando un dialogo quasi impossibile, forse neanche sempre desiderato ma indispensabile per ritrovare il corpo, e dunque la vita.
Non c’è casualità in nessuna delle scelte registiche di Luzi e Bellino, rigorose al punto da apparire quasi tautologiche, incontrovertibili.
Ecco dunque che il film si apre dichiaratamente su un suono cui lo spettatore non può attribuire un significato compiuto, un battere su una superficie che troverà senso solo più avanti nel corso di una narrazione scabra ma emotivamente compiuta, forte, persino destabilizzante.
C’è una sorgente che è incognita, e inconoscibile, e c’è una foce, una mare che può essere raggiunto solo attraverso il dolore, e infine l’agnizione.
Luzi e Bellino, già offuscando la vista dello spettatore preferendo la tenebra alla luce – perché è quest’ultima a dover essere conquistata, ricostruita attraverso il Cinema – compiono un’ulteriore scelta di limitazione dello spazio visivo, lavorando solo ed esclusivamente sul primo e primissimo piano, eliminando dunque il contesto se non in un fuoricampo esistente nel rumore, nella dialettica, ma occluso alla possibilità concreta di un pubblico che può e deve concentrarsi solo ed esclusivamente sulla protagonista, una straordinaria Marianna Fontana che accetta sulle sue spalle il peso di un film che diventa peso di un’esistenza disperata, privata dell’oggetto del desiderio – il rapporto padre/figlia, già cardine del racconto e dello sguardo ma in forma speculare ne Il cratere.
“I desideri sono meglio delle promesse”, enuncia alla ragazza un altro personaggio.
“I desideri sono meglio delle promesse”, perché aprono il portone all’inconscio, a ciò che sussulta nel profondo, in una interiorità che il cinema può rappresentare solo divenendo ossessivo, reiterato, quasi annichilente.
Se il femminile dopotutto è sempre racchiuso in una gabbia paterna – lo era Sharon nell’esordio, lo è qui il personaggio incarnato da Fontana, che non sa trovare la propria identità al di fuori del rapporto mai sviluppatosi col genitore –, la coppia di registi e autori per liberarlo non possono che assecondare proprio quell’ossessività, imprigionando a loro volta gli spettatori, costringendoli in una condizione di non percezione concreta dell’insieme, ma solo di una sua infinita parcellizzazione che ne evidenzia la falsità tanto ontologica quanto narrativa.
Il Cinema è nel suo intrico falso giacché vero, credibile perché ricostruito sul vero, come certifica la scelta di girare con attori non professionisti, veri operai che lavorano la pelle, se si eccettua il campo controcampo impossibile e non formalizzato tra chi sarà sempre corpo (Marianna Fontana) e chi non potrà essere altro che suono (il padre, vocalizzato da un sempre sublime Tommaso Ragno).
Non accettano compromessi, Luzi e Bellino, e in questo sono una volta di più simili alla loro eroina, che accoglie senza neanche una protesta la punizione sul luogo di lavoro pur di poter rispondere al telefono a quel padre che è sempre stato assente, ha elargito promesse non mantenute ma resta un inossidabile desiderio.
Il maschile è accettato dalla donna solo perché verbalizzante, incorporeo, privo di una sostanza deludente al tatto, come è invece quella del regista del filmino della prima comunione, che tampina la giovane ma che lei respinge senza farsi troppi scrupoli.
C’è una vena incestuosa in Luce che si fa largo di nuovo senza vergogna alcuna, e trova una sua concretezza nelle parole del padre che di fronte alla figlia ubriaca di gioia – e di alcol – certifica “Che belle le figlie femmine, che bella una figlia femmina come te”.
Questa dialettica tra i due corpi – uno visibile, l’altro celato in un’oscurità che per quel che si sa potrebbe essere eterna – è il primo segno di una rivoluzione che è il vero atto di messa in scena di Luzi e Bellino.
La rivoluzione come stravolgimento del senso dell’essere, della quotidianità, della percezione della prassi. La rivoluzione come elemento condivisibile ma in fin dei conti anche intimo, privato, scevro da pulsioni collettiviste – per quanto la rappresentazione del lavoro in fabbrica contenga in nuce una verbalizzazione d’immaginario marxiano abbastanza evidente.
La rivoluzione, infine, come gesto naturale della crescita, dell’accettazione della perdita (viene anche smarrita la povera Molly, con un miagolio che diventa a sua volta incorporeo, digitale, privo di sostanza concreta), e della necessità di ricostruirsi pezzo per pezzo.
Luzi e Bellino firmano un’opera indubbiamente ostica, lontana dalle lusinghe della placida borghesia intellettuale che è la salottiera verità dell’industria – o supposta tale – cinematografica italiana, ma allo stesso tempo dimostrano di credere ancora, nell’umano e nel cinema.
Credono nell’umano come superamento della prassi finzionale, e nel cinema come sublimazione della finzione/verità, in questo potendo contare sulla potentissima presenza scenica di Fontana, che come la sorella gemella Angela nel recente Basileia di Isabella Torre dimostra di sapersi mettere alla prova, accettando una formula diversa, una prospettiva diversa.
Una rivoluzione alla ricerca della luce. Che non fu, semmai – ed è la speranza anche per il Cinema italiano – sarà.
L’articolo è stato pubblicato il 22/10/2024 sul sito https://quinlan.it/2024/10/22/luce-2024/ da Raffaele Meale
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